Live without dead time
Exhibition catalog, text
Live without dead time, Museo Cantonale D'arte; Lugano
"Vivre sans temps mort et jouir sans entraves" ["Live without dead time and enjoy without restraints"]. It was this exhortation that closed the famous pamphlet entitled "De la misère en milieu étudiant" ["On the Poverty of Student Life"]. Published anonymously in 1966 in Strasbourg, accompanied by violent polemics although also by immediate international diffusion, it constituted one of the warning signs of the Paris uprising of May 1968. It resulted from the meeting between a group of students who had taken over the local section of the students' union [U.N.E.F.] and some members of the Situationist International including Guy Debord and Mustapha Khayati, the latter considered the author of the pamphlet which encouraged young people to become the revolutionary political subject - together with the proletariat - as part of a theoretical framework defined by the criticism of the society of the spectacle. The fortunate aphoristic synthesis of this situationist slogan soon made it one of the most well-known rallying cries of the '68 protest movement. Echoing Horace's carpe diem, the anonymous graffiti that from the walls of the Sorbonne spread to the streets of all French towns and cities transformed this motto into the watchword which summed up the claims and aspirations of an entire generation: the rejection of passivity, the search for a creativity freed from lower middle-class boredom and banality, the constrictions of alienating work and the aspiration to the realization of man in the anti-authoritarian dimension of play and the festival. However, as Mario Perniola has written in his Miracoli e traumi della comunicazione (2009), in this prevailing of the moment over duration, this overwhelmingness of the present which refuses to hold over the satisfying of desire to the course of time and which takes the forms of an absolute impatience, one sees an affinity with the experience and way of feeling that is typical of drug addiction (which not fortuitously became a mass phenomenon in those years among young people).
Forty years after 1968, with the capitalist economic system having by now entered a new phase (what in a recent text Vanni Codeluppi has defined as 'biocapitalism'), the protest which permeated western society during the second half of the 1960s can be seen in the same way as a growth illness of capitalism in the point of its passing from a society of producers to a society of consumers. A decisive moment which as acutely theorized by Zygmunt Bauman marks entering the age of liquid modernity. As in a sort of diabolical détournement, the situationist slogan has in this way ended up by becoming the epigraph "inscribed above a gateway" through which our society has passed in to the hell of consumeristic addiction. In fact, no advertising expert could have found a better formula than live without dead time in order to promote "a life moving increasingly faster in the attempt at earning the time necessary for going after other things". Also because, as Bauman has written: "The excitement of a new and unprecedented sensation - not the greed of acquiring and possessing nor wealth in its material, tangible sense - is the name of the consumer game. Consumers are first and foremost gatherers of sensations". The furious acceleration of this mechanism of consumption is no longer fueled - as it was in the past - by way of the satisfaction of needs but through the continuous "growth in the quantity and intensity of desires" which as soon as they have been consumed leave us dissatisfied, so urging us towards other desires and therefore other goods, in a reduction of time to a frenetic succession of self-isolated moments, to a perpetual "here and now" in which we are imprisoned by the alluring promise of new, unforgettable experiences which exclude the day-to-day routine (boredom) from our lives: "dead time", in short.
Consequently, in today's society the task which the economic system assigns individuals is no longer only that of producing things but above all of consuming them. Following the increasingly more totalizing expansion of the consumeristic model it is no longer sufficient for the individual to lend his/her work force to the productive system. He or she must also be at the disposition of the consumer system, becoming the "disposer of goods" within the so-called free time or leisure industry. In the period of the greatest freedom ever tested by western society, it is no longer the diverse forms of social coercion - as was true in the panoptic system described by Foucault - that force individuals into this new form of "slavery". On the contrary, and in a totally paradoxical way, it is the freedom of choice and the liberation of individual identity from whatever form of social predetermination that constitute the chains that indissolubly bind us to 'consumption society'. In liquid modernity the freedom of choice really is not a choice at all. Hidden behind it, in fact, is the obligation to choose, from which there is no possibility for escape. Identity, on the other hand, is no longer a gift one receives at birth but is, as Bauman has written, "a life sentence of hard labour". In this way the construction of one's own identity has become a both arduous and laborious task, a Sisyphean futility which accompanies the individual for his or her entire life. Alleviating this fatigue, however, there is the intercession on the part of the consumption society that by way of the seduction exercised by advertising continuously offers us a prêt à porter identity, simply asking us to open our wallets. Identity in this way is reduced to a consumer good on a par with other goods, marked down to a disposable product, easily replaceable with every change in fashion or trend, reduced to the simulacrum which advertising sells us in exchange for our consumption, taking the concept of merchandising to the very heart of being. As Baudrillard has observed: "By now everything is a sum of appearing and of only appearing, without too much preoccupation for being. Therefore Design and not Dasein".
The works created by Fabrizio Giannini for this exhibition should be considered in the light of this series of problems that regard the modalities with which individual identity is constantly subjected to a process of construction and deconstruction in order to guarantee the survival of the consumeristic social model. A group of works which in starting out from a series of images, isolated in the media flow which in an increasingly more invasive way envelops our day-to-life lives, activates an eidetic reduction - in the phenomenological sense - of visual forms and in this way evidences the truth of the means of mass communication. A truth which for Baudrillard is as follows: "To neutralize the unique character of actual world events by replacing them with a multiple universe of mutually reinforcing and self-referential media. At the very limit they become each other's reciprocal content - and this constitutes the totalitarian 'message' of the consumer society".
Mostly taken from advertising and the world of information in the form of photographs, videos or graphic elaborations, these images are then once again elaborated using the computer and subjected to a process of formal and chromatic simplification or else superimposed to create digital collages. The chromatic reduction to black and white which characterizes many of the works analogously refers to a procedure that is typical of the connaisseurship tradition whose exponents for the analysis of works of art have often preferred to use black & white reproductions rather than coloured ones in which every datum is "drowned in a sort of broth", as Federico Zeri observed. Also in the works by Fabrizio Giannini bichromatism carries out this function: by stripping the advertising image of its seductive patina and its illusory adhesion to the optical datum, he reveals its essence as medium that becomes message, of hypnotic illusion which substitutes reality with a simulacrum, of self- referential language that no longer refers to the world but which moves increasingly closer to a pure abstraction constructed by way of a play of signs that refer to each other but which no longer have a referent.
In a way analogous to the chromatic reduction, here we also find the reduction of the photographic and video image to the bidimensionality of the computer drawing or animation. The use the artist makes in these works of those same vector graphics with which logos are normally designed - in such a way that one can infinitely increase the size without loss of image definition - refers to the ability of brands to impose themselves in any context and to overcome all cultural and social 'barriers' in such a way as to affirm themselves as elements of that sole global language which is comprehensible anywhere: that is, consumption. In this sense the proliferation of branding appears to be like a viral infection which attacks reality, appropriating and reduplicating it in a virtual dimension which is, however, proposed to the eyes of the consumer as something "real".
Nothing seems capable of escaping the capability of absorption on the part of consumption society, the cloning of the real in the inoffensive virtuality of communication. We are reminded of this by the Proxy series in which with a stylized form similar to that of comics or children's colouring books the artist reproduces the photographs of groups of No Global protesters with their faces hidden. In fact, in consumption society protest is accepted, tolerated and reabsorbed in the form of one's 'look'. In the very moment of the protest against it, taking the stage with a covered face, the individual implicitly acknowledges the strength and force of the system and conforms to it by taking on a non-identity which in being unable to be anything except temporary is nothing other than a 'look'. It is probably not fortuitous if the permanent subtraction from identity variability of which the burqa is a symbolic representation has given rise to so much consternation since its appearance in the West. That of the protester ends up by being merely one of the many available identities: a mask which when removed means that the person has to go back to the daily frenzy of consumption (even if, in reality, the individual has never left this frenzy anyway), and to the ever more convulsive game of identities which unfold and are multiplied on the stage of the Internet like an hypnotic mantra, ranging from the social forums to the social networks. Uninterruptedly.
Elio Schenini
Translated by Howard Rodger MacLean
Scarnificazione da consumismo
Scarnificazione da consumismo
Sequenze di immagini pubblicitarie in mostra a Lugano
LA MOSTRA
Fabrizio Giannini. Live without dead time
Museo cantonale, Lugano
Fino al 17 gennaio 2010
di CLAUDIO GUARDA
Fabrizio Giannini, da Sorengo, classe1964: è a lui che il Museo Cantonale offre lo spazio espositivo della Ala Est dove da anni si svolgono mostre dedicate alla scena emergente sia ticinese che svizzera. Tema fondante su cui si concentra la sua riflessione artistica è quello dell’identità individuale per rapporto all’ambiente consumistico in cui viviamo, e alle sollecitazioni omologanti e massificanti che da quello derivano. Inutile dire che tale soggetto ha riscontro in non poca sociologia, letteratura e filosofia degli ultimi 70 anni, in parallelo con il boom pubblicitario che ha invaso non solo strade e piazze delle metropoli, ma anche menti e comportamenti di non pochi consumatori azzerandoli in quanto individui. Ed altrettanto superfluo è ricordare che, quanto all’arte, simili spunti e considerazioni hanno il loro precedente nel New Dada e nella Pop Art. Proprio sulla scia della Pop, anche Giannini non inventa immagini sue del mondo, ma il mondo (o una sua ben precisa parte) ce lo restituisce servendosi di quelle che normalmente circolano dentro il flusso mediatico e pubblicitario. Parte infatti da una serie di immagini precostituite ed ormai assorbite, perché anche senza volerlo fanno ormai parte del nostro vissuto, le preleva dal loro contesto e su quelle ci lavora: le scarnifica, semplifica, le rielabora al computer, le incide o ridisegna con il laser, le spoglia del colore ecc. A qual fine? Di metterne a nudo il meccanismo e gli effetti. Se infatti la manipolazione e destrutturazione dell’immagine da parte dell’artista è analoga e parallela (per quanto in senso opposto) alle intenzioni di coloro che quelle immagini creano e di esse si servono per ottenere una società di produttori-consumatori (ed in quanto tale, quello suo, è atto di smascheramento dei procedimenti di consenso ed omologazione interni alla pubblicità); dall’altra rivela anche il carattere effimero e fasullo dei mezzi di comunicazione di massa i quali “neutralizzano il carattere vissuto, unico, fattuale del mondo, per sostituirvi un universo multiplo di media omogenei gli uni agli altri, i quali si significano e rinforzano l’un l’altro.” (Baudrillard) Cioè vivono di se stessi, dentro se stessi, dando vita a un mondo parallelo, parlando una sola lingua globalizzata e comprensibile a tutti: che è quella del consumo.
Claudio Guarda, Scarnificazione da consumismo. «Il Caffè», 13.12.2009,p.44.
L'arte contemporanea svizzera oltre l'enigma
L’arte contemporanea svizzera oltre l’enigma
La collettiva
Le immagini visive possono essere scultura, ricamo, oggetti, pitture, video, fin dove arriva la capacità sensoriale dello sguardo. L’esposizione alla Galleria Palladio, fino al 30 settembre, dal titolo Sage comme une Image. Arte Svizzera – O ltre l’enigma, in riferimento alla recente mostra organizzata dai Musei a Lugano. Ma in questa occasione l’attenzione viene rivolta alla parte più recente delle proposte creative, le ricerche in corso, dagli esiti tuttora aperti, in una selezione di venti artisti curata. A prima si rischia di restare spiazzati dalla molteplicità e varietà della raccolta, ma dopo un istante, lungo il percorso, emerge il tema conduttore: una rappresentazione del mondo in cui noi viviamo adesso e qui, che in senso ampio è il mondo dell’età tecnologicamente avanzata con i suoi problemi e contraddizioni, e in senso più specifico è proprio quello della comunità politica, la Svizzera una e molteplice. Fra gli artisti di tutte le regioni della confederazione, compresi alcuni di origine straniera, quelli in cui il riferimento nazionale è più esplicito e problematico ci sembrano Andrea Gabutti e Fabrizio Giannini. Una volta capito cosa fanno questi due, si capisce lo spirito del tutto. Chi è il generale Guisan? Fu il comandante in capo dell’esercito svizzero negli anni della seconda guerra mondiale, immagine di indipendenza e patriottismo. Gabutti ne ha disegnato il ritratto in grande dimensione, e in stesura sottilissima, tenuissima. Dunque: affermato o negato? Giannini ha rappresentato il territorio della Svizzera, franco al suolo, netto, secondo i confini di una corretta carta geografica; ma questa immagine è realizzata in un assemblaggio di schegge di specchi. Dunque:affermata o negata? Per entrambi, la risposta è chiaramente dialettica, dove con la parola Dialettica intendiamo: affermare qualcosa attraverso la sua negazione, e viceversa. La conclusione è che l’identità socioculturale e spirituale del popolo è dichiarata in forma non dogmatica, attraverso la discussione che si rinnova senza pregiudizi, in modo critico e autocritico, aperto e storicamente in divenire: il Paese non è un’entità statica ma una realtà storica in mutamento. Fra gli altri diciotto artisti segnaliamo, in linea soggettiva, lo scultore Marcel Dupertuis, il pittore Francesco Vella. L’insieme della mostra prosegue a buon livello e ritmo serrato, tra sorprese e invenzioni.
Giuseppe Curonici, L'arte contemporanea svizzera oltre l'enigma, «Corriere del Ticino», 4.9.2008, p. 32.
Sage comme une image
SAGE COMME UNE IMAGE
Galleria Palladio, Lugano
... und rätselhaft noch dazu, lautet das Leitmotiv zu dieser Gruppenausstellung in der ältesten Institution für zeitgenössische Kunst in Lugano. Mit der nicht bescheidenen Anzahl präsentierter Kunstschaffender und einer Vielzahl unterschiedlicher Medien auf beschränktem Raum wird eine Dichte der Erzählungen und ein Ineinandergreifen der Systeme auslegbarer Zeichen herbeigeführt. Sie übermitteln Leben und Erleben in unserem unmittelbaren Umfeld und sind bestrebt, zu den sinnlich reizvollen Oberflächen weitere tiefgründige Einblicke zu gewähren.
Schweizer Äpfel sind Äpfel, die in der Schweiz geerntet werden –Äpfel, die aus dieser helvetischen Welt stammen, so Peter von Matt vor gut drei Jahren in einem Artikel des Tages-Anzeigers. In diesem Sinne wurden im Rahmen von SAGE COMME UNE IMAGE Künstlerinnen und Künstler ausgewählt, welche mit einem Werk zur vorliegenden Vorstellung des vermeintlich schönen Anblicks im helvetischen Umfeld beigetragen. Ihr Wesen und Wirken ist geprägt von ihrem Stammbaum und ihrem Beziehungsraum.
Das Interieur wird eingangs sogleich mit phantastischem Blütenzauber, bestehend aus vielfach vernetzen Strukturen und Beziehungsgeflechten, tapeziert: Das in Uster lebende Künstlerpaar Steiner & Lenzlinger (*1967/*1964) entführt uns mit verspieltem Charme und ironischem Clin d’Oeil in einen vegetativen Organismus geheimer Provenienz, genannt „Sevilla 2“, 2005, wobei die Tapete zugleich auf das unmittelbare Heim, den Kosmos möglicher Natur in und um sich selbst thematisiert.
Eine Entführung ganz anderer Art bietet uns das kleine Objekt des Genfers Fabrice Gygi (*1965) an, das auf den ersten Blick von Verankerung im Strudel des Lebensstroms und alsdann von möglicher Verletzung erzählt: „Grappin“, 2006, - „mettre le grappin sur quelqu’un“ bedeutet jemanden mit allen erdenklichen Mitteln in Beschlag zu nehmen, und dieses Manöver im komplexen Beziehungsgeflecht des Alltags ist von gefährlichem Potential geprägt. Gygis elementare Ästhetik des Überlebens, des Widerstands und der Agression lebt auf einfachste und überzeugende Weise von ihrer Wechselwirkung zwischen Schutz und Zerstörung.
Ulrich Meister (*1947), ein Künstler, der an der rheinischen Grenzstadt Schaffhausen geboren ist und seit seiner Ausbildungszeit in Düsseldorf lebt, ist Teil der deutschen Kulturlandschaft und wird als Schweizer oft vergessen. Dennoch wird sein präzises und minimales Werk auf der intensiven Suche nach der gültigen Form gerne ins Schweizer Umfeld geholt und unverhofft mit helvetischen Tugenden in Verbindung gebracht. Dabei ist es nicht die Vielfalt, die ihn interessiert, sondern das, was er sieht nach langer An- und Einsicht: die Nahsicht und der präzise Ausschnitt einer sich öffnenden Türe ohne Einblick in den einen oder anderen Raum: „Ohne Titel“, 2004, sucht diese Ansicht zu einem Neuen – Nie-Gesehenen des Bestehenden zu verwandeln – als „Medium zur Existenzerhellung“ (Tina Grütter).
Als weiterer, unmittelbarer Fokus erweist sich ein grossformatiges Bergbild von Josef Felix Müller (*1955) „La vallée du silence“, 2003, gesäumt von einem charmanten, in Holz geschnitzten und farbig gefassten „Fliegenpilz“, 2006 . Die Ölmalerei, welche der St. Galler Künstler seit der Jahrtausendwende wieder vermehrt pflegt, widmet sich, unter völligem Verzicht auf die einstige expressive Unmittelbarkeit und Figuration, dem detailgetreu übermittelten Landschaftsbild (Alpen, Gletscher, Wälder und Quellen), welches er während mehrwöchigen Arbeitsprozessen in der Stille erschafft. Minutiöses Übertragen vom fotografischen Vorbild und mehrschichtiges Übermalen erschaffen im Abbild eine neue, verführerische Parallelwelt – eine vielschichtig sich erneuernde Natur.
Emmanuelle Antilles (*1972) Fotocollagen „ Teenagers and Kingdoms", 2005, eine Edition bestehend 5 unterschiedlichen Gegenüberstellungen, stammen aus den bildnerischen Material eines Filmes, den die Westschweizer Künstlerin von Jugendlichen, Landschaften und Bauten regieren lässt. Das jeweilige Königreich, das Emmanuelle Antille ihrer bevorzugten Altersgruppe zukommen lässt, ist die Umgebung von Autobahnen - „Boys near highway“ - oder jene von verlassenen Bungalowkomplexen, wie „Kids in abandoned motel“. In liebevollem und zugleich einsamem Zwiegespräch vermitteln die Abfolgen von authentischen Portraits und dazugehöriger Umgebung zeitgemässe Seelenlandschaften besonderer Eindringlichkeit. In ihnen spiegeln sich jugendliche Emotionen und der Weg zur Identitätsfindung.
Die Fotografien von Laurence Bonvin (*1967) präsentieren menschenleere Nachtaufnahmen aus den urbanen Peripherien der Schweiz. Dieser beinahe in inflationärer Weise immer wieder behandelte Themenbereich in der modernen und zeitgenössischen Fotografie erhält bei der in Berlin ansässigen Westschweizer Künstlerin eine weitere Ausstrahlungskraft und Bedeutungsdimension. Messerscharfe Ansichten, Lichtbahnen und dunkler Raum von eigenartiger, magischer Schönheit zeigen ihre Bilder „ as a one-eye little owl“, 2003, und „Flughafen, Zürich“, 2004: Es sind die Zwischenräume, die verlassenen Übergangszonen, welchen der Eulenblick von Laurence Bonvin gilt, diese Überbleibsel trostloser Modernität einer einzigen globalisierten Welt, die gezeichnet ist von Verlassenheit und Melancholie.
Die Videoarbeiten „Vanitas II“, 2007, von Judith Albert (*1969) und „Handlauf Kürbis“, 2004/5 , von Christoph Rütimann (*1955) sind, wie oft bei den beiden Innerschweizer Künstlern, als stille Performances für die Kamera wie zugleich autonome Videoarbeiten zu verstehen. Währenddessen sich Judith Albert zweier Handvoll, teilweise grüner, roter oder aber bräunlich verfärbter Äpfel annimmt, um Stück für Stück deren Inneres dem Blick zu eröffnen, verführt Christoph Rütimanns abenteuerliche Kamerafahrt einem roten Rohr entlang durch ein Kürbisfeld. Die rasende Fahrt fegt saftige Blätter weg, prallt auf Kürbisse und saust weiter in eine Welt, die von Fülle und Lebenskraft, aber auch vom Absterben und nahendem Ende geprägt ist.
Loredana Sperini (*1970), eine Seconda aus Süditalien, die in der Ostschweiz geboren wurde und heute in Zürich sesshaft ist, präsentiert mit ihrer Stickerei auf gestärktes, weisses Baumwolltuch, „Claudia & Nadja“, 2007, eine enge Verbindung zweier Mädchen, die sich zu einer Form zusammengewoben haben: in sich versunken die Eine, misstrauisch nach aussen blickend die Andere. Die Stickerei – ein Medium, das ansonsten für fleissige Frauenarbeit bekannt ist, wird bei Loredana Sperini Werk zu einem zeitgemässen Medium besonderer Ausdruckskraft. Atmosphärische Spannungen der Portraitierten mit ihrem Gegenüber dringen gleichsam in die Fadenverbindungen und entladen sich, in diesem geduldigen und langwierigen Prozess des Stickens, als Energien, als psychologische Darstellung innerer Prozesse.
Spiegelerlebnisse besonderer Art bereiten uns Claudia & Julia Müller (*1964 /*1965) und Fabrizio Giannini (*1964). „Objects in the mirror are closer than they appear“, 2006, der Schwestern Müller besteht aus einem kleinen Spiegelobjekt, welches charmanterweise seine Widerspiegelung verzerrt. Der kleine Spiegel ist handgross, doch nicht taschentauglich. Der dazugehörige rote Kunstlederbeutel zur Aufbewahrung ist in Spiegelschrift bedruckt: „Objects in the mirror...“– eine Inschrift, welche üblicherweise auf den Rückspiegeln amerikanischer Autos als Warnung angebracht wird. Unheimlich wirkt der Satz, der an und für sich für Sicherheit zu sorgen hätte, und seltsam anachronistisch die Verbindung von Beutel und Spiegel, als möchten beide Objekte sogleich auf weitere Bezüge verweisen.
Das am Boden sich befindende Spiegelobjekt „Identities“, 2008, des ortsansässigen Tessinerkünstlers Fabrizio Giannini präsentiert sich in der topographischen Form der Schweiz. Ihr inneres Wesen besteht aus einzelnen, gebrochenen, mit gefährlich scharfen Kanten versehenen Spiegelsplittern. Diese gemahnen nicht nur an die Illusion eines einheitlichen Wiedererkennens, sondern ebenso an die Gefahr einer Verletzung und Zerstörung von Identität.
Weitere bildnerische Variationen zur Identitätsfindung bieten uns die Werke von Ian Anüll (*1948) und Francesco Vella (*1954): Währenddessen das kleine, auf ein einfaches Stück Holz angebrachte Abbild der Schweizer Flagge, genannt „Contorni del disabitato“, 2002, von Vella in seiner elementaren Zeichenhaftigkeit durch die povere Materialwahl und rudimentäre, fragil anmutende und zugleich auch nachlässig ausgeführte Darstellungsart als Kontrast zum bestehenden, stolz sich präsentierenden Schweizer Symbol in sattem Rot und blankem Weiss zu verstehen ist und mit dieser kontrastierenden Darstellung des „Unbewohnten“ selbstredend die erlebte Identität zur Diskussion stellt, beschäftigt sich Anüll mit den Tugenden unseres helvetischen Daseins. Sein objekthaftes quadro riportato "Reden ist Silber, Schweigen ist Gold", 2004, vermittelt auf seiner silbernen Vorderseite EDEN, währenddessen die seitliche Verbindung mit dem R Bände zu sprechen beginnt. Die blattvergoldete Oberseite des an und für sich einfachen, aus MDF-Holz bestehenden Trägers beginnt, ohne gesehen zu werden, aus sich heraus auf seine unmittelbare Umgebung geheimnisvoll zu leuchten. Die Unterschiede und Kontraste, welche in diesem kleinen, preziös anmutenden Objekt vereint sind, evozieren mannigfaltige Gedanken in der Historie unseres Daseins.
Kontrapunktisch erscheint das Objekt „Milchstrasse“, 2005, von Isabelle Krieg (*1971). Das reizende Busengebilde darf sachte berührt, die Fülle der Form bestaunt werden. Milchstrasse erinnert an die vollkommene Vereinigung von Geborgenheit und Nahrung. Ihre Vervielfältigung in einem Objekt vermag indes an Ungeheuerliches, Monstruöses zu gemahnen, was sich ebenso in dieser grossen Gebenden finden kann.
Andrea Gabutti (*1961) präsentiert in der Ausstellung eine stolze Repräsentation des „Général Guisan“, 2007, auf grünliches Papier. Sein Portrait, welches jedem Schweizer sogleich bekannt ist, hat der Tessiner Künstler mit nur wenigen haptischen Strichen festgehalten. Der papierne Untergrund, welcher etwas zerknittert und fragil anmutet, verleiht der gängigen, stolzen Repräsentation des mächtigen Westschweizer Befehlshabers während des 2. Weltkrieges eine bis anhin wenig bekannte Seite. Vor allem bei der älteren Generation unseres Landes gilt Guisan als Erhalter von Neutralität und Frieden, aber auch als Zeichen der Standhaftigkeit und Wehrkraft der Schweizer Armee – ein Mythos, der in den letzten Jahren ins Wanken geriet.
Die Amerikanerin Amy O’Neill (*1971) hat vor kurzem, nach längerem Aufenthalt im Genfer Kulturleben, die Schweiz wieder verlassen. Ihre Zeichnungen, so „Chalet Derborance“, 2005, (und Skulpturen) zeigen einen beunruhigenden Blick in die pittoresken, zuweilen auch grotesken Traditionen des helvetischen Volkes – ein Blick, wofür man eine neugierige Distanz benötigt, um den Fächer mit alten und neuen Erzählungen zu bereichern. Eine davon mag in diesem Fall gewiss das Wissen um die gewaltigen Steinstürze in Derborance im 18. Jahrhundert sein, wo die teuflische Natur ein riesiges Terrain zerstört und dabei neues Leben erschafft hat.
Der Multimediakünstler aus Freiburg und Bern, Peter Aerschmann (*1969) beglückt den Raum zur nationalen Einheit mit seinem kurzen Werk „TAUBEN Bundesplatz“, 2005. Vor unendlich schöner Wolkenkulisse breitet sich der Bundespalast in voller Pracht aus. Auf dem Bundesplatz trippeln unendlich viele Tauben, alle im Gleichschritt, von gleicher Gestalt und gleichem Sinn. Sie bewegen sich und kommen nicht vorwärts. Sie treten an Ort und wiederholen mechanisch die immer selben Gesten...
Guido Nussbaum (*1948) erhellt unser Weltverständnis und Dasein mit einer Vielzahl kleiner und grösserer Tondi, genannt etwa „Tondo fédéral avec fenêtre, CH-West“, 2007, „Südostschweizer Weltbild“, 2004-06, „Weltkugeltondo blau/feldgrün, 2007 und „Weltkugeltondo grün/rot, 2007. Der in Basel und im nahe liegenden Elsass lebende Künstler umkreist seit einigen Jahren den Themenkreis des Globus und beschäftigt er sich dabei als überzeugter Marxist u.a. oder v.a. mit der Schweiz, ihrer Stellung in der Welt, ihrer Stellung in Europa. Mit konzeptuellem Witz im Hinterkopf verschiebt er eigenmächtig Staaten, Kontinente, Erde und Wasser. Zuweilen lässt er nur die Schweizer Kantone, locker verteilt, auf der Erdkugel erscheinen, um mit Beharrlichkeit und Konsequenz die helvetischen und europäischen Köpfe zum Denken anzuregen.
Die kleine Maquette des Tessiners Marcel Dupertuis (*1941) ist für seine Eisenskulptur „Hommage à Schönberg“, 1975, geschaffen worden. Sie zeigt, gezeichnet von reduziertem Vokabular, ein System der Vermittlung: Schalen, die Wasser zu empfangen haben und weitergeben, Wasser, das zu fliessen hat, um weiter gereicht zu werden, als universelles Prinzip im menschlichen Dasein.
Alexia Turlins (*1973) rotfarbenes Objekt „ Distributeur avec betaxia vulgaris“, 2006, erfreut die Besucher nicht nur wegen seiner altbekannten Farbigkeit in neuem Gewand, sondern ebenso mit der Möglichkeit, mit nur wenig Geld sich sein Glück zu erhaschen. In einer Plexikugel findet sich jeweils ein einzigartiges Betaxia vulgaris, ein polymorphes Wesen, das selbstleuchtend und individuell von farbigen Flecken gezeichnet ist, welche, je nach Entwicklungsstadium und Reife, variieren. Zwei photosensible Rezeptoren scheinen wie Augen zu funktionieren, ihre Gestalt vermag sich an vielerlei Oberflächen zu adaptieren. Dort leben sie ihr fröhliches Dasein und suchen den Kontakt mit anderen Individuen: „make a wish!“
EMJ
La Rada Spazio per l'arte contemporanea, Locarno
L'ART ET SES AMANTS / LES RAYONS DE SOLEIL 200 ANNI DI SOCIETÀ SVIZZERA DI BELLE ARTI
Dal 19 maggio al 30 giugno 2007 / Esposizioni personali di:
DIDIER RITTENER / DUMM DOOM
LOREDANA SPERINI / QUANTE BRAVE PERSONE
Con interventi di: JUDITH ALBERT, FABRIZIO GIANNINI, FRANK & PATRIK RIKLIN
Lo scorso 9 settembre, la Società Svizzera di Belle Arti celebrava a Sainte-Croix i suoi duecento anni di vita organizzando una festa sul tema de «L’art et ses amants» a cui hanno partecipato artisti e personaggi della cultura provenienti da tutta la Svizzera, chiamati a interpretare liberamente la propria visione sui differenti paesaggi possibili dell’arte attuale in Svizzera. In seguito a questo primo evento, diverse altre piccole manifestazioni commemorative hanno avuto luogo presso istituzioni e spazi indipendenti di ogni regione della Svizzera. L'insieme di queste manifestazioni spontanee prende il nome: “Les Rayons de Soleil»
A partire dal 19 maggio i raggi della SSBA brilleranno anche sulla rada, dove avranno luogo due esposizioni personali di Didier Rittener e Loredana Sperini, saranno presentati una trilogia video dell’artista zurighese Judith Albert, un video documentario dei fratelli Riklin (SG) e un'installazione di Fabrizio Giannini. Il lavoro di Judith Albert è da sempre incentrato su una ricerca poetica sospesa tra realismo e artificio. Il trittico presentato alla rada comprende tre brevi episodi recentemente concepiti quali intermezzi del palinsesto televisivo (TV Projekt “Aufnahmen” Schweizer Fernsehen SF DRS). Il progetto “Die Kunst, das Leben und der Tod” dei fratelli Riklin comprende quattro ritratti di altrettanti membri di Società di Belle Arti scelti tra i più anziani delle quattro regioni linguistiche : URS Widmer (Winterthur), Tarcisio Trenta (Lugano), Jacques Guidon (Zernez) e Nelly Schneeberger (Moutier). Il filmato è stato realizzato appositamente per i festeggiamenti della Società Svizzera di Belle Arti e dopo essere stato presentato in varie parti della Svizzera, giunge ora a Lugano per una prima ticinese presso gli spazi del Museo Cantonale d’Arte di Lugano (19 maggio 2007) per passare in seguito tutti i sabati dalle ore 18:00 alle ore 19:00 presso i nostri spazi. La rada ospiterà inoltre un intervento dell’artista ticinese Fabrizio Giannini il cui lavoro è incentrato sull’individuazione di cortocircuiti della comunicazione nell’era telematica. Spesso le sue opere si presentano permeabili a più interpretazioni, o mettono in scena lo scheletro di una comunicazione di massa in piena crisi bulimica, che usa i segni senza riconoscerne l'identità, come fossero vuoti involucri per veicolare eventuali significati. Giannini sembra però più interessato alla riproduzione analogica di situazioni possibili che non alla riproduzione tecnica d’iperspazi ai confini della realtà. I new-media o il computer sono per l'artista più che altro un mezzo attraverso il quale viene veicolato il flusso dell'informazione, una fonte di contemplazione e non un mezzo adatto a concepire nuovi significati.
Didier Rittener presenterà Dumm Doom, un’istallazione inedita composta, secondo uno schema proprio dell'opera dell’artista, da un insieme di opere eteroclito. Rittener si appropria deliberatamente di immagini che popolano il nostro immaginario collettivo; ce le ripropone in un taglio inedito sollecitando così la nostra già satura memoria visiva. Questi frammenti di iconografie passate vengono quindi ricomposti secondo criteri